Die seltsamsten Bilder

Bildende Kunst kann eine ganze Reihe von Emotionen präsentieren. Manche Bilder machen sie stundenlang zu ihnen, während andere buchstäblich schockieren, überraschen und die Weltanschauung aufblasen. Es gibt solche Meisterwerke, die dich denken und nach einer geheimen Bedeutung suchen. Einige Gemälde sind in mystischen Mysterien gehüllt, während in anderen die Hauptsache ihr unerschwinglicher Preis ist.

нема Es gibt viele seltsame Gemälde in der Geschichte der Weltmalerei. In unserem Ranking wird bewusst Salvador Dali nicht erwähnt, der in diesem Genre ein Meister war und dessen Vorname in den Sinn kommt. Und obwohl der Begriff der Fremdheit subjektiv ist, ist es möglich, jene bekannten Werke zu unterscheiden, die sich deutlich außerhalb des allgemeinen Bereichs befinden. Edward Munch „Schrei“.

Arbeit in der Größe von 91×73, 5 cm wurde im Jahre 1893 erstellt. Munch schrieb es mit Öl, Pastell und Tempera, heute ist das Bild in der Nationalgalerie von Oslo gehalten. Die Schöpfung des Künstlers ist zu einem Wahrzeichen für den Impressionismus geworden, heute gehört er zu den bekanntesten Gemälden der Welt. Munch selbst erzählte die Geschichte von ihrer Schöpfung: „Ich ging mit zwei Freunden auf den Weg, damals setzte sich die Sonne ein. Plötzlich wurde der Himmel blutrot, ich blieb erschöpft und lehnte sich an den Zaun.“ Ich sah das Blut an und flammte über dem bläulichen „Ein schwarzer Fjord und eine Stadt.“ Meine Freunde gingen weiter, und ich stand ganz zitternd vor Aufregung und spürte ein endloses Schreien, das die Natur durchbohrte. “ Es gibt zwei Versionen der Bedeutung Interpretation gezeichnet. Wir können annehmen, dass der dargestellte Charakter von Grausigkeit ergriffen wird und schweigend schreit und seine Hände an die Ohren drückt. Eine andere Version sagt, dass der Mann seine Ohren aus dem Schreien um ihn herum schloss. Insgesamt hat Munch so viele wie 4 Versionen von „Scream“ geschaffen. Einige Experten glauben, dass dieses Bild eine klassische Manifestation der manisch-depressiven Psychose ist, von der der Künstler gelitten hat. Als Munch in der Klinik behandelt wurde, kehrte er nicht zu diesem Gemälde zurück. Paul Gauguin „Woher kamen wir? Wer sind wir? Wohin gehen wir?“

Im Boston Museum of Fine Arts finden Sie diese impressionistische Arbeit von 139,1 × 374,6 cm. Es wurde in Öl auf Leinwand in 1897-1898 gemalt. Diese tiefe Arbeit wurde von Gauguin in Tahiti geschrieben, wo er sich von der Hektik des Pariser Lebens zurückzog. Das Bild wurde dem Künstler so wichtig, dass er am Ende sogar Selbstmord begehen wollte. Gauguin glaubte, dass sie das Beste war, was er zuvor geschaffen hatte. Der Künstler glaubte, dass er nicht schon etwas Besseres oder Ähnliches schaffen konnte, er hatte einfach nichts zu streben. Gauguin lebte noch 5 Jahre und beweist die Wahrheit seiner Urteile. Er selbst sagte, dass sein Hauptbild von rechts nach links betrachtet werden sollte. Es gibt drei Hauptgruppen von Figuren, die auf ihm vorhanden sind, die diese Ausgaben verkörpern, die die Leinwand berechtigt sind. Drei Frauen mit einem Kind zeigen den Anfang des Lebens, in der Mitte Menschen symbolisieren Reife, Alter wird durch eine ältere Frau, die auf ihren Tod wartet vertreten. Es scheint, dass sie sich damit versöhnt hat und über etwas nachdenkt. Zu ihren Füßen ist ein weißer Vogel, der die Sinnlosigkeit der Worte symbolisiert.

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Pablo Picasso „Guernica“.

Die Erstellung von Picasso wird im Madrider Museum der Königin Sofia gespeichert. Eine große Bildgröße von 349 x 776 cm ist in Öl auf Leinwand geschrieben. Dieses Segeltuch-Fresko wurde 1937 geschaffen. Das Bild erzählt von einem Überfall von faschistischen Freiwilligenpiloten auf der Stadt Guernica. Als Ergebnis dieser Ereignisse wurde die Stadt mit einer Bevölkerung von 6 Tausend Menschen völlig vom Gesicht der Erde abgewischt. Dieses Bild der Künstler erstellt buchstäblich in einem Monat. In den frühen Tagen von Picasso arbeitete für 10-12 Stunden, in der ersten seiner Skizzen wurde die Hauptidee schon gesehen. Als Ergebnis wurde das Bild zu einer der besten Illustrationen aller Schrecken des Faschismus, der Grausamkeit und der menschlichen Trauer. In „Guernica“ können Sie die Szene der Brutalität, der Gewalt, des Todes, des Leidens und der Hilflosigkeit betrachten. Obwohl die Gründe dafür nicht eindeutig angedeutet sind, sind sie aus der Geschichte klar. Es wird gesagt, dass im Jahre 1940 Pablo Picasso in Paris sogar zur Gestapo gerufen wurde. Er wurde sofort gefragt: „Hast du das gemacht?“. Worauf der Künstler antwortete: „Nein, du hast es getan.“Jan van Eyck „Porträt der vier Arnolfini“.

Dieses Gemälde wurde 1434 von Öl auf Holz gemalt. Das Meisterwerk ist 81.8×59.7 cm groß und wird in der Londoner Nationalgalerie gehalten. Vermutlich zeigt das Bild Giovanni di Nicolao Arnolfini mit seiner Frau. Die Arbeit ist eine der schwierigsten in der westlichen Schule der Malerei der Zeiten der nördlichen Renaissance. In diesem berühmten Gemälde, eine riesige Anzahl von Charakteren, Allegorien und verschiedene Haken. Was ist nur die Unterschrift des Künstlers „Jan van Eyck war hier.“ Das Bild ist also nicht nur ein Kunstwerk, sondern ein echtes historisches Dokument. Immerhin zeigt es ein echtes Event, das Van Eyck beeindruckte. Dieses Bild ist in Russland vor kurzem sehr populär geworden, denn mit dem bloßen Auge ist die Ähnlichkeit zwischen Arnolfini und Wladimir Putin spürbar. Michael Vrubel „Der Dämon sitzt“.

Die Tretjakow-Galerie behält dieses Meisterwerk von Michail Vrubel, das 1890 von ihm in Öl geschrieben wurde. Maße Leinwand – 114×211 cm Der hier gezeigte Dämon überrascht. Er erscheint als trauriger junger Mann mit langen Haaren. Normalerweise sind die Menschen nicht so böse Geister. Vrubel selbst sagte über sein berühmtestes Tuch, daß in seinem Verständnis der Dämon nicht so ein böser Geist ist wie Leiden. In diesem Fall kannst du ihm nicht Macht und Majestät verweigern. Der Dämon von Vrubel ist ein Bild, vor allem der Geist des Menschen, der in uns den ständigen Kampf mit sich selbst und Zweifeln herrscht. Dieses Geschöpf, umgeben von Blumen, tragisch umklammert die Hände, seine riesigen Augen sehen traurig in die Ferne. Die ganze Komposition drückt die Peinlichkeit der Figur des Dämons aus. Es scheint, in diesem Bild zwischen dem oberen und unteren Teil des Bilderrahmens geklemmt zu werden. Vasily Vereshchagin „Die Apotheose des Krieges“.

Das Gemälde wurde 1871 geschrieben, aber in ihm schien der Autor die Schrecken der zukünftigen Weltkriege zu sehen. Leinwand Größe 127h197 cm in der Tretjakow-Galerie gespeichert. Vereshchagin gilt als einer der besten Kämpfer in der russischen Malerei. Allerdings schrieb er Kriege und Kämpfe nicht, weil er sie liebte. Der Künstler durch die Bildenden Künste versuchte, den Menschen ihre negative Haltung gegenüber dem Krieg zu vermitteln. Einmal hat Vereshchagin sogar versprochen, keine Kampfszenen mehr zu schreiben. Schließlich war die Trauer jedes verwundeten und getöteten Soldaten zu nahe am Herzen. Das Ergebnis einer solchen durchdringenden Haltung gegenüber diesem Thema war die „Apotheose des Krieges“. Ein schreckliches und faszinierendes Bild zeigt einen Berg menschlicher Schädel auf einem Feld mit Krähen herum. Vereshchagin schuf eine emotionale Leinwand, hinter jedem Schädel in einem riesigen Haufen ist die Geschichte und das Schicksal von Persönlichkeiten und Menschen in der Nähe von ihnen verfolgt. Der Künstler selbst sarkastisch nannte dieses Gemälde ein Stillleben, weil es eine tote Natur darstellt. Alle Details der „Apotheose des Krieges“ schreien über Tod und Leere, sie ist auch im gelben Hintergrund der Erde sichtbar. Und das Blau des Himmels betont nur den Tod. Die Vorstellung von den Schrecken des Krieges wird durch Einschusslöcher und Spuren von Säbeln auf Schildkröten hervorgehoben. Grant Holz „American Gothic“

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Dieses kleine Bild hat eine Größe von 74 mal 62 cm. Es wurde 1930 gegründet und ist nun im Chicago Institute of Arts gelagert. Das Gemälde ist eines der berühmtesten Beispiele der amerikanischen Kunst des letzten Jahrhunderts. Schon in unserer Zeit wird der Name „American Gothic“ oft in den Medien erwähnt. Das Bild zeigt einen ziemlich düsteren Vater und seine Tochter. Zahlreiche Details erzählen von der Schwere, dem Puritanismus und der Steifheit dieser Menschen. Sie haben die Gesichter enttäuscht, in der Mitte des Bildes gab es aggressive Gabeln, und die Kleider des Paares sind auch nach den damaligen Maßstäben altmodisch. Sogar die Naht auf den Bauernkleidung wiederholt die Form der Heugabel und verdoppelt die Bedrohung für diejenigen, die auf seinem Weg des Lebens eindringen. Details des Bildes können endlos studiert werden, körperlich Gefühl unangenehm. Interessanterweise wurde auf einmal bei dem Wettbewerb am Chicago Art Institute das Bild von den Richtern als humorvoll aufgenommen. Aber die Leute von Iowa beleidigten den Künstler für die Tatsache, dass er sie in einer solchen icky Verkürzung aussetzte.Das Modell für die Frau wurde von Sister Wood gemacht, aber der Prototyp des wütenden Mannes war der Zahnarzt des Malers.

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Rene Magritte „Liebhaber“.

Das Gemälde wurde 1928 mit Öl auf Leinwand gemalt. Es gibt zwei Möglichkeiten. Auf einem von ihnen ein Mann und eine Frau küssen, aber nur ihre Köpfe sind in ein weißes Tuch gewickelt. In einer anderen Version des Bildes sehen die Liebhaber den Betrachter an. Gemalt und überrascht und faszinierend. Figuren ohne Gesichter symbolisieren die Blindheit der Liebe. Es ist bekannt, dass die Liebenden niemanden sehen, wir können ihre wahren Gefühle nicht erkennen. Sogar für einander sind diese Leute, die durch das Gefühl geblendet sind, in der Tat ein Rätsel. Und obgleich die Hauptbotschaft des Bildes verständlich erscheint, „Liebhaber“ machen Sie immer noch auf sie und denken über Liebe. In Magritte im Allgemeinen sind fast alle Bilder Rebusse, die völlig unmöglich zu lösen sind. Immerhin stellen diese Bilder die Hauptfragen über die Bedeutung unseres Lebens dar. In ihnen spricht der Künstler von der illusorischen Natur dessen, was wir sehen, dass es viele mysteriöse Dinge um uns gibt, die wir nicht bemerken. Marc Chagall „Gehen“

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Das Gemälde wurde 1917 auf Öl auf Leinwand gemalt, jetzt wird es in der Staatlichen Tretjakow-Galerie gehalten. In seinen Werken ist Marc Chagall gewöhnlich ernst, aber dann erlaubte er sich, Gefühle zu zeigen. Das Bild drückt das persönliche Glück des Künstlers aus, es ist voller Liebe und Allegorien. Sein „Spaziergang“ ist ein Selbstporträt, wo Chagall seine Frau Bella neben ihr darstellte. Sein Auserwählter schwebt am Himmel, sie zieht einen Künstler dazu, der sich schon fast vom Boden abgerissen hat und ihn nur mit den Spitzen seiner Schuhe berührt hat. In der anderen Hand ist der Mann ein Tit. Wir können sagen, dass dies ist, wie Chagall sein Glück dargestellt hat. Er und der Kranich in den Himmel in Form einer geliebten Frau und ein Tit in der Hand, unter dem er seine Arbeit bedeutete.

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Hieronymus Bosch „Der Garten der irdischen Freuden“.

Diese Leinwand, die 389×220 cm misst, wird im spanischen Law Museum aufbewahrt. Bosch malte ein Bild von Butter auf einem Baum in den Jahren 1500-1510. Dies ist das berühmteste Triptychon von Bosch, obwohl das Bild drei Teile hat, ist es für die zentrale benannt, gewidmet Wollust. Um die Bedeutung eines seltsamen Bildes wird ständig diskutiert, es gibt keine solche Interpretation davon, die als die einzig wahre erkannt würde. Interesse an Triptychon ist aufgrund der vielen kleinen Details, die die Hauptidee ausdrücken. Es gibt lichtdurchlässige Figuren, ungewöhnliche Konstruktionen, Monster, inkarnierte Alpträume und Visionen und höllische Variationen der Realität. Für all das konnte der Künstler mit einem akuten und suchenden Blick schauen, der es geschafft hatte, sich im Gegensatz zu Elementen zu einer einzigen Leinwand zu vereinen. Einige Forscher haben versucht, in dem Bild eine Reflexion des menschlichen Lebens zu sehen, die der Autor vergeblich zeigte. Andere fanden Bilder von Liebe, jemand entdeckte den Triumph der Wollust. Allerdings ist es zweifelhaft, dass der Autor versucht, fleischliche Freuden zu verherrlichen. Immerhin sind die Figuren der Menschen mit kalter Ablösung und Einfachheit dargestellt. Ja, und die Kirchenbehörden haben dieses Bild von Bosch eher positiv behandelt. Gustav Klimt „Drei Zeitalter einer Frau“.

In der römischen Nationalgalerie für moderne Kunst befindet sich dieses Bild. Eine quadratische Leinwand von 180 cm Breite wurde mit Öl auf Leinwand im Jahre 1905 gemalt. Dieses Bild drückt Freude und Traurigkeit aus. Der Künstler in drei Figuren konnte das ganze Leben einer Frau zeigen. Das erste, noch ein Kind, äußerst unbeschwert. Eine reife Frau drückt die Befriedung aus, und das letzte Alter symbolisiert die Verzweiflung. Gleichzeitig ist das Durchschnittsalter organisch in die Lebensverzierung verwoben, und das Alte steht vor seinem Hintergrund vor. Der scheinbare Kontrast zwischen der jungen Frau und den älteren Menschen ist ein Symbol. Wenn die Blüte des Lebens von zahlreichen Chancen und Veränderungen begleitet wird, dann ist die letzte Phase eine verwurzelte Konstanz und Konflikt mit der Realität. Ein solches Bild zieht Aufmerksamkeit auf und lässt Sie über die Absicht des Künstlers nachdenken. In ihr, alles Leben mit seiner Unvermeidlichkeit und Metamorphose.

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Egon Schieles „Familie“.

Diese Leinwand ist die Größe von 152.5×162.5 cm wurde 1918 in Öl geschrieben. Jetzt ist es im Wiener Belvedere gelagert. Lehrer Shile war Klimt selbst, aber der Student versuchte es nicht, es fleißig zu kopieren und nach seinen Ausdrucksformen zu suchen. Es kann sicher behauptet werden, daß die Arbeit von Schiele noch tragischer, beängstigender und komischer ist als die von Klimt. Einige Elemente werden heute pornografisch genannt, es gibt viele verschiedene Perversionen, in all der Schönheit gibt es Naturalismus. Zur gleichen Zeit sind die Bilder buchstäblich mit einer verzweifelten Verzweiflung durchdrungen. Der Höhepunkt von Schieles Werk und seine jüngste Malerei ist „Die Familie“. In dieser Leinwand wird die Verzweiflung auf ein Maximum gebracht, während die Arbeit selbst für den Autor sich als die seltsamste herausstellte. Nach der spanischen Grippe starb die schwangere Frau von Schiele, und kurz vor seinem Tod wurde dieses Meisterwerk geschaffen. Nur zwei Tage vergingen zwischen den beiden Todesfällen, sie waren genug für den Künstler, um sich mit seiner Frau und seinem ungeborenen Kind darzustellen. Damals war Schiele erst 28 Jahre alt. Frida Kahlo „Zwei Frides“.

Das Gemälde wurde 1939 geboren. Der mexikanische Künstler Frida Kahlo wurde nach der Veröffentlichung eines Films über sie mit Salma Hayek in der Titelrolle berühmt. Im Herzen der Arbeit des Künstlers waren ihre Selbstporträts. Sie selbst erklärte diese Tatsache auf diese Weise: „Ich schreibe mir selbst, denn ich verbringe viel Zeit allein und weil ich das Thema bin, das ich am besten kenne.“ Es ist interessant, dass Frida bei ihren Bildern nicht lächelt. Ihr Gesicht ist ernst, auch in etwas Traurigem. Stirnrunzelnde dicke Augenbrauen und kaum spürbarer Schnurrbart über den komprimierten Lippen äußern höchsten Ernst. Die Ideen der gleichen Bilder liegen in den Figuren, dem Hintergrund und den Details dessen, was umgibt. Die Symbolik der Gemälde basiert auf den nationalen Traditionen von Mexiko, die eng mit der alten indischen Mythologie verwoben sind. „Zwei freitags“ ist eines der besten mexikanischen Gemälde. In ihr wird das männliche und feminine Prinzip, das ein einheitliches Blutsystem hat, in einer ursprünglichen Weise dargestellt. So zeigte der Künstler die Einheit und Integrität dieser beiden Gegensätze. Claude Monet „Die Waterloo-Brücke“. Die Wirkung von Nebel. “

In der St. Petersburger Eremitage finden Sie dieses Gemälde von Monet. Es wurde 1899 in Öl auf Leinwand gemalt. Wenn das Gemälde genau untersucht wird, erscheint es als lila Fleck mit dicken Schlägen, die darauf angewendet werden. Doch weg von der Leinwand, versteht der Betrachter alle seine Magie. Zuerst werden unklar Halbkreise, die durch die Mitte des Bildes passieren, sichtbar, die Umrisse der Boote erscheinen. Und aus einer Entfernung von ein paar Metern sehen Sie alle Elemente des Bildes, die in einer logischen Kette verbunden sind. Jackson Pollock „Nummer 5, 1948“.

Pollock ist ein Klassiker des Genres des abstrakten Expressionismus. Sein bekanntestes Gemälde ist bei weitem das teuerste in der Welt. Und der Künstler malte es im Jahr 1948, nur Gießen Ölfarbe auf einem Fibrolyt Messung 240×120 cm. Im Jahr 2006 wurde diese Malerei bei Sotheby’s für $ 140 Millionen versteigert. Der ehemalige Besitzer, Sammler und Filmproduzent David Giffen, verkaufte ihn an den mexikanischen Finanzier David Martinez. Pollock sagte, dass er beschlossen, weg von solchen vertrauten Werkzeuge des Künstlers als eine Staffelei, Farben und Pinsel zu bewegen. Seine Werkzeuge waren Stöcke, Messer, Schaufeln und gießende Farbe. Er hat auch eine Mischung aus Sand oder sogar Glas gebrochen. Beginn der Erstellung. Pollock ist inspiriert, nicht einmal erkennen, was er tut. Erst dann kommt die Verwirklichung des Vollkommenen. Gleichzeitig hat der Künstler keine Angst, das Bild zu zerstören oder es unbeabsichtigt zu verändern – das Bild beginnt sein eigenes Leben zu leben. Pollocks Aufgabe ist es, ihr zu helfen, geboren zu werden, nach draußen zu gehen. Aber wenn der Meister den Kontakt mit seiner Schöpfung verliert, dann wird der Ausgang Chaos und Schmutz sein. Im Falle des Erfolgs wird das Bild reine Harmonie, Leichtigkeit des Empfangs und Verkörperung der Inspiration verkörpern. Joan Miró „Ein Mann und eine Frau vor einem Haufen von Exkrementen.“

Die seltsamsten Bilder

Dieses Gemälde ist jetzt im Künstler in Spanien gespeichert. Es wurde in Öl auf einem Kupferblatt 1935 in nur einer Woche vom 15. bis 22. Oktober geschrieben.Die Größe der Schöpfung beträgt nur 23×32 cm. Trotz dieses provokativen Titels spricht das Bild von den Schrecken der Bürgerkriege. Der Autor selbst hat also die Ereignisse jener Jahre dargestellt, die in Spanien stattfinden. Miro versuchte, eine Zeit der Angst zu zeigen. Auf dem Bild sieht man den bewegungslosen Mann und die Frau, die dennoch zueinander gezogen werden. Die Leinwand ist voll von unheilvollen giftigen Blumen, zusammen mit vergrößerten Genitalien, sieht es absichtlich ekelhaft und widerlich sexy.

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Jacek Yerka „Erosion“.

In den Werken dieses polnischen Neo-Surrealisten, die Bilder der Wirklichkeit, verflochten, schaffen eine neue Realität. In gewisser Weise sind auch berührende Bilder sehr detailliert. Sie spüren das Echo der Surrealisten der Vergangenheit, von Bosch bis Dali. Yerka wuchs in der Atmosphäre der mittelalterlichen Architektur, die nach den Bombenanschlägen des Zweiten Weltkrieges auf wundersame Weise überlebte. Er begann schon vor dem Eintritt in die Universität zu ziehen. Dort versuchten sie, seinen Stil zu einem moderneren und weniger detaillierten zu ändern, aber Yerka selbst behielt seine Individualität bei. Heute sind seine ungewöhnlichen Gemälde nicht nur in Polen, sondern auch in Deutschland, Frankreich, Monaco, USA ausgestellt. Es gibt sie in einer Reihe von Sammlungen auf der ganzen Welt. Bill Stoneham „Hände sind gegen ihn“.

Das Gemälde, das 1972 von den Klassikern der Malerei gemalt wurde, ist schwer zu nennen. Allerdings gibt es keinen Zweifel daran, dass sie zu den seltsamsten Schöpfungen der Künstler gehört. Das Bild zeigt einen Jungen, neben ihm ist eine Puppe, und hinter ihm sind zahlreiche Hände auf das Glas gedrückt. Diese Leinwand ist in gewisser Weise seltsam, mysteriös und mystisch. Es ist schon mit Legenden bedeckt. Sie sagen, dass wegen dieses Bildes jemand gestorben ist und die Kinder auf ihm am Leben sind. Sie sieht wirklich beängstigend aus. Es ist nicht verwunderlich, dass Leute mit einem kranken Psyche-Bild Angst und schreckliche Phantasien haben. Stoneham selbst versicherte, dass er sich im Alter von 5 Jahren malte. Die Tür hinter dem Jungen ist eine Barriere zwischen der Realität und der Welt der Träume. Die Puppe ist der Dirigent, der das Kind von einer Welt zur anderen tragen kann. Hände sind alternative Leben oder menschliche Fähigkeiten. Das Gemälde wurde im Februar 2000 berühmt. Sie wurde zum Verkauf bei eBay aufgestellt und erzählte, dass sie Gespenster auf ihr hatte. Infolgedessen wurden „Hände gegen ihn“ für $ 1025 von Kim Smith gekauft. Bald war der Käufer buchstäblich mit Briefen mit schrecklichen Geschichten verbunden, die mit dem Bild verbunden waren, und verlangt, dieses Gemälde zu zerstören.

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